Pesadillas, de Katsuhiro Otomo: El más grande exponente del terror psicológico, y el puente entre oriente y occidente

“Hay siempre en la violencia de Otomo un rasgo impersonal y apocalíptico, como si su tema fuera una gran catástrofe que se desarrolla a partir de movimientos progresivos” Pablo de Santis, La Historieta en la edad de la Razón

Domu, llamada Pesadillas, en España y América Latina, es una de las novelas gráficas más interesantes de Katsuhiro Otomo, uno se los mayores exponentes, no solo del manga, sino de la historieta en general, de todo el mundo. En 1983, tres años después de que se comenzara a publicar, se le dio al autor un premio llamado el Grand Prix de Ciencia Ficción de Tokio. Fue el primer manga en recibir este tipo de galardones.

Katsuhiro Otomo es un autor de manga. En general, en el manga, la historieta japonesa, no existe tan marcado el papel de la dupla. En la historieta occidental es muy común que el trabajo sea dividido en dos partes, y por consiguiente, en dos artistas: un dibujante y un guionista. En la tradición japonesa de este arte de globos y dibujos, es muy común que ambas partes sean realizadas por un autor integral.

Otomo será siempre reconocido por su genial obra Akira, tanto en el mundo impreso como en el mundo fílmico. Lo que resulta bastante enojoso para los amantes de la historieta es que este Apocalipsis futurista de Otomo, es muchas veces nombrado como la razón de la muerte de la historieta occidental.

¿Oriente vs Occidente?
Muchas personas creen que, con el crecimiento del manga y su total globalización, su entrada en todos los mercados, el público se alejó de los autores occidentales. Ellos dicen que Akira, y Dragon Ball (de Akira Toriyama) son las dos historietas que avasallaron a Moebius, a Oesterheld y lograron que el público joven dejara de leer a Mafalda y Asterix.

Por supuesto, este concepto es muy drástico y a mi entender, errado. Durante los 80’s y 90’s el público masivo dejó de consumir el material occidental, prefiriendo leer Los Caballeros del Zodíaco y Dragon Ball. Quizás el hecho de que el animé (series y películas relacionadas con el manga) tomara las mismas historias y las convirtiera en frenéticos dibujos animados ayudara a su masificación. Sin embargo, Otomo es, justamente, el puente de oriente y occidente. Sus historias podrían transcurrir en cualquier cultura. Y de ninguna manera son anti-europeas.

Es verdad que muchas de las historietas de Otomo tienen una marcada política que repudia el avasallaje norteamericano, pero justamente, eso tiene mucho que ver con los historietistas europeos y latinoamericanos.

De la Publicación de Domu y de su argumento
Esta genial historieta se comenzó a publicar en la revista Action Comics, de la DC Comics en 1980. La revista, nacida en 1938, en un mal momento para el mundo, el momento en que los estadounidenses sufrían todos de una depresión bélica terrible. En Action Comics nace Superman, el personaje que fue creado para enfatizar el poderío americano y generar un nacionalismo latente en los más jóvenes. Es irónico que la misma revista que publicó al super hombre, luego, cuarenta años después, publique al autor japonés que más castiga a los Estados Unidos por lo ocurrido en la Segunda Guerra Mundial y sus explosiones nucleares.

Domu es, sin duda, un comic Otomo. Aunque no se detiene tanto en la política, como si lo hace en sus comics Cyberpunk. Este manga tiene mucho que ver con el temor a lo desconocido, la magia de la imaginación y la potencialidad de los jóvenes. Todos estos factores también están presentes en Akira, con sus niños dotados.

Este manga está considerado dentro del género del Terror Psicológico. Este tipo de relatos son en los que el lector, o espectador no se limita a exaltarse por imágenes macabras y sangrientas, sino que realiza un compromiso más profundo con los personajes, y se sienten identificados. Se evoca a la emotividad el lector.

La historia transcurre en un bloque de edificios de apartamentos. Tiene una estética arquitectónica agobiante e impersonal. Miles de personas viven allí, unos tan cerca de los otros, sin conocerse los unos a los otros. Es una perfecta metáfora de las grandes metrópolis japonesas.

En ese barrio están sucediendo extrañas cosas, y comienzan a aparecer muertos, que parecen ser suicidas. Todas las muertes tienen circunstancias extrañas. Por ejemplo unos policías que patrullaban la zona se descuidaron unos momentos, uno de ellos se detuvo para orinar. Cuando volvió, su compañero había desaparecido, lo encontraron muerto, estrellado contra el piso, pero le faltaba su revolver.

Los niños, en este barrio, son muy perceptivos, y durante toda la historieta suponemos muchas cosas. Generamos diferentes hipótesis conectadas siempre con lo paranormal, y con estos niños, porque las pistas nos van llevando a eso. A pensar que alguno de esos niños está asesinando a esas personas.

A cada una de las víctimas le desapareció algún objeto, como si el asesino coleccionara trofeos de sus logros. La historia da un giro inesperado, o quizás no tanto, si tomamos en cuenta ciertas actitudes de los niños, al mostrarnos al verdadero asesino: un viejo con poderes extrasensoriales, que recorre el lugar por las noches realizando travesuras como si fuera un niñito. La dualidad infanto-geronte del personaje, esa mezcla entre niño y anciano, lo hace aún más macabro.

La relación que se da entre los niños dotados del lugar y el monstruoso anciano es muy interesante. Es una constante amenaza, una constante tensión, ya que ellos saben qué es él, a diferencia del mundo de los adultos, pero lo afrentan, tratándolo como si fuera un niño más.

El anciano, Cho-san, también disfruta mucho de atormentar a los policías que investigan los extraños casos. El comisario fue una de sus víctimas, y luego se dedicó a atormentar a su mejor amigo con imágenes del hombre fallecido en los bancos de las plazas del complejo edilicio. Es una historia de niños perturbados, masas asustadas, investigaciones policiales truncadas por una verdad inverosímil; y entre todo eso: Cho-san.

Pablo de Santis (escritor argentino de ensayos, novelas y guionista de tiras de historieta), hablando de Domu, de Akira y de la relación de Otomo con autores de comic occidental como el francés Moebius y el chileno Alejandro Jodorowsky hace la siguiente reflección que resulta muy acertada: “Recorre sus páginas la sensación de que algo ominoso está ocurriendo sin que lo sepamos. Como en el cine japonés de los ’50, el entretenimiento fundamental es la destrucción; pero aquí los monstruos son invisibles.”

El Gato Fritz y la vida alocada de los 60's

El Gato Fritz es un personaje de historieta, creado por Robert Crumb, el genio del comic underground norteamericano. Fritz representa todo lo incorrecto, todos aquellos impulsos frenéticos que nuestra cultura quiere frenar. Fritz representa contracultura, sexo, violencia, drogas; representa todo lo prohibido y lo que es moralmente desaprobado.

Este excéntrico personaje nació en la década del 60, una época dura para los Estados Unidos, en la que una guerra adelgazaba las filas de sus jóvenes que eran arrancados de cuna para ser enviados a Vietnam. Pero una época en la que el pueblo se puso en contra de todo esto, una época en la que la voz de la juventud (aunque nunca se le prestó atención) gritaba tan fuerte como los cañones.

El hippismo, para el que no sabe lo que es (espero que sean pocos), fue un movimiento de los 60’s y 70’s, que creía en el amor y en la paz, antes que nada. Lo más importante para el hippie fue siempre eso: la libertad, la paz y el amor. Ser libre para llevar a cabo nuestras propias desiciones, ser libres de elegir en que creer, libres de amar a quien queramos; y vivir en paz con todas las criaturas del mundo. De ahí la famosa frase “Hagan el amor y no la guerra”

El hippismo además se caracterizó por la experimentación con drogas alucinógenas y búsquedas espirituales profundas. La música de estas épocas corrían a la par de la cultura hippie, y acompañaban su mística. En especial The Beatles, el grupo británico más famoso de la historia, que durante los 70’s tuvieron una estética psicodélica y sus canciones y su discurso eran, además de fascinántemente lisérgicos, muy profundos y místicos, probablemente por el acercamiento de George Harrison, el guitarrista de la banda, a la cultura hindú.

John Lennon, el cantante y líder del grupo, además fue un representante activo del hippismo. Junto con su esposa, la artista conceptual japonesa (como dirían Los Simpsons) Yoko Ono, realizaron varias denuncias públicas y manifestaciones muy originales para parar la guerra. Entre ellas, se pasaron varios días desnudos acostados en su cama, bajo el cartel que decía Bed Peace (Paz de Cama). Además de no cortarse el pelo ni la barba durante años, también en forma de protesta, como muchísimos hippies del mundo hicieron, siguiendo su ejemplo.

Además los 60’s y 70’s se caracterizaron en todo el mundo por un espíritu de rebelión muy fuerte, y por una represión acorde también. Además de mucha violencia. El mundo nunca va a entender que la igualdad y el respeto no se imponen, tienen que nacer con el tiempo. En esta época aparecieron grupos armados revolucionarios en América Latina, que peleaban por un mundo diferente, alejado del capitalismo, pero lo hacían imponiendo su palabra a balazos. En los Estados Unidos aparecieron Las Panteras Negras, una agrupación política revolucionaria, defensora de los derechos del afroamericano, pero también se pasaron al otro lado, al convertirse en un movimiento armado y violento.

Para más, también a finales de la década del 60, en Inglaterra nació una subcultura llamada Skinhead, que se dividió prontamente en SHARP (Skinheads anti-racistas) y los simples Skinhead que adoptaron una política neonazi y extremadamente violenta. Pronto estos neonazis también fueron parte de la cultura juvenil estadounidense.

Realmente es una de las épocas más interesantes de la historia de los Estados Unidos. Y dentro de este mundo, nace, en 1965, en la revista Help! La historieta El Gato Fritz. Robert Crumb pronto realizó sus propias revistas y dedicó un espacio mucho más completo al Gato contracultural.

Durante sus historias, Fritz hizo de todo. Fue rockero, fue hippie, fue drogadicto, pero antes que nada fue siempre un sexopata, un depravado total sin ningún tipo de tabúes. En un comic, Fritz deja la ciudad por problemas de dinero y vuelve a la casa de su madre en un pueblito en el campo. Había dejado el hogar hacía muchos años y ahora al volver encontró todo muy cambiado, en especial a su hermana adolescente, que ya no era ninguna niñita. Durante el comic, contado con humor negro, y cinismo, Fritz sedujo a su hermana y la llevó a un río a bañarse y logró lo que se proponía, teniendo sexo desenfrenado con su propia hermanita. Para luego volver a la casa y encontrar que la madre le había preparado la comida preferida de su infancia.

En 1972, Ralph Bakshi, el director de cine de animación nacido en Palestina, realizó una adaptación al cine de los comics del Gato Fritz. En este film Fritz se encuentra arrojado a la calle y viaja por Nueva York entrando en diferentes mundos, pasando por las drogas, por el hippismo, por los barrios negros marginales y por el mundo violento del neonazismo skinhead.

El film es excelente, pero a Robert Crumb no le gustó y dijo siempre que Bakshi había arruinado a su personaje, pero eso no fue hasta después, cuando en 1974 el director Robert Taylor realizó una pésima secuela llamada Las nueve vidas de Fritz el Gato.

Bakshi, igualmente sigue siendo vanagloriado hoy en día por su film. Luego acrecentó su fama y su éxito en el cine de animación con un film complicado y extraño que fue la primera adaptación al cine de El Señor de los Anillos, de John Ronald Reuel Tolkien. Los fanáticos del libro, y de la trilogía de Peter Jackson, siempre criticaron y odiaron la versión de Bakshi. A mi personalmente, me parece una genialidad.

Luego llegó al máximo de relevancia para el público norteamericano cuando en 1992 realizó un film llamado Cool World, con un joven Brad Pitt y con Kim Basinger, en el que se mezclan el mundo animado con el mundo real, al mejor estilo Quién engañó a Roger Rabbit? Pero con una temática mucho más adulta.

Por otro lado Robert Crumb dedicó su carrera, además de a realizar los comics de Fritz el Gato y de Mr. Natural, que lo llevaron al estrellato; a realizar los dibujos para los guiones de Harvey Pekar, su colega y amigo. Existe un film argumental sobre la vida de Harvey Pekar y su relación con Robert Crumb, llamado American Splendor, como el nombre de la revista donde publicaban juntos.

Enki Bilal, Alcides Nikopol y la Feria de los dioses

Nota escrita para Reinos Libres

Enki Bilal es un excelente dibujante y guionista de comics nacido en Belgrado, pero su vida y su carrera fue en París. Su origen balcánico está muy presente en sus relatos, en especial en la novela gráfica El Sueño del Monstruo, publicada en 1999.

Pero Bilal ya era respetado desde hacía muchos años en el mundo de la historieta. En 1980 comenzó a publicar una historieta en la revista Pilote, recibiendo gran clamor del público parisino: La Feria de los Inmortales. Esta historieta fue la primera parte de una trilogía que marcó toda su carrera: la Trilogía Nikopol, cuyos otros dos capítulos son La Mujer Trampa y Frío Ecuador.

La Feria de los Inmortales
La historia transcurre en el año 2023. París está gobernada por un dictador fascista llamado Jean-Ferdinand Choublanc, pero incluso él, junto con todos los demás habitantes de la ciudad miran al cielo boquiabiertos cuando una pirámide flotante aparece en los cielos. El edificio está habitado por dioses egipcios, pero su nave no tiene combustible. Toda la trama gira en torno de estos hechos y de la inestabilidad política, cuando los gobernadores quieren ser inmortales como los dioses.

Pero dentro de este marco es donde transcurre la verdadera historia, la historia de dos convictos, de dos condenados. Por un lado Alcides Nikopol, que en 1993 se rehusó a luchar en la coalición Soviético-China y lideró una revolución (recordemos que la historieta fue escrita en 1980, nueve años antes de la caída del muro de Berlín). Pero falló y fue capturado y sentenciado a pasar 20 años en hibernación en una estación espacial. Pero 30 años después cayó en un paracaídas en París, todavía congelado, había sido traicionado por su celador. El otro condenado es Horus, el dios Egipcio, que según algunos mitólogos fue el creador del universo. Bilal toma esa teoría, pero hace que en 2023 Horus sea traicionado por sus compañeros dioses y condenado a muerte. Tiene 7 días para buscar una salvación, y recorre París buscando un cuerpo donde habitar, pero los humanos con cuerpos no tocados por la ciencia no existen, excepto Nikopol.

La Mujer Trampa

Esta nueva entrega de la Trilogía fue realizada en 1986. La historia transcurre en 2025. Jill Bioskop, una periodista londinense pierde a su amado compañero John en un atentado. La muerte de John hace que Jill pierda la noción de la realidad y vaga por el mundo buscando el olvido. En Berlín conoce a Nikopol, y a Horus que se escapa de su prisión de piedra.

Frío Ecuador

Es la tercera y última entrega de la Trilogía Nikopol. Transcurre en el año 2034. Alcides Nikopol recorre el mundo como deportista, es campeón de Chess-Boxing, una mezcla entre boxeo y ajedrez, que lo lleva a competir a Ecuador, cuya temperatura promedio es de -50ºC. Aquí también veremos a Niko, el hijo de Nikopol, que tiene su misma edad (recordemos que fue congelado 30 años). Horus sigue siendo viviendo en el cuerpo de Nikopol. Esta novela gráfica, que tiene una historia que no les llega ni a los talones a sus dos antecesoras, ganó el premio al Libro del Año.

Bilal se dedicó a sus otras historietas durante muchos años, incluso, al día de hoy la historia que comenzó con El Sueño del Monstruo lleva 4 capítulos ya. Además de eso, también trabajó en la industria del cine, como diseñador de escenografías y de indumentaria. En 1989 dirigió su primer largometraje Bunker Palace Hotel, con el cual tuvo mucho éxito. Tardó ocho años en volver a dirigir, su nuevo film, llamado Tykho Moon, no tuvo gran aceptación en Europa ni en América, pero en Japón se convirtió en una película de culto. En 2004, siete años después, volvió al cine…

Immortal (Ad Vitam)

Este film lleva al cine las dos primeras partes de la Trilogía Nikopol, con algunos cambios. Todo comienza en el año 2095 cuando tres sucesos extraños toman lugar en la ciudad de Nueva York: una pirámide aparece flotando en los cielos; la prisión criogénica que se ubica sobre el puente de Brooklyn tiene una falla y caen varios presos congelados, el único sobreviviente es Alcides Nikopol; una serie de 7 asesinatos preocupa a la policía, aunque no saben que los tres hechos están relacionados.

Horus, el dios creador del universo tiene 7 días para buscar una manera de sobrevivir, ya que los dioses lo quieren encerrado por el resto de la eternidad, por eso busca a Nikopol, el único hombre viviente que tiene un cuerpo puro, ya intentó con 7 diferentes cuerpos, incluyendo los de varios policías que investigan los asesinatos, pero sus cuerpos no soportan al dios y explotan.

Horus encuentra también a Jill, una hermosa mujer de piel blanca y pelo azul que no sabe quién es, solo sabe que fue traída a la tierra por John, un hombre enmascarado que lleva varios siglos trayendo al mundo a personas que no debieron haber nacido en esa realidad. Jill no es humana, pero John le hace un tratamiento para que lo sea, con el tiempo.

Horus obliga a Nikopol a violar repetidamente a Jill para concebir un hijo, pero ella, que puede leer la mente, entiende que nada de eso es culpa de él, sino del dios. Finalmente Horus vuelve a su prisión, Nikopol es apresado y enviado a criogenia, a cumplir el último año de su condena, y Jill se vuelve humana y pierde su memoria. Un año después Nikopol la va a buscar a Paris, donde la encuentra, junto con su bebé de pelo azul.

Es interesante además cómo Bilal imprime en este film una trama política muy vasta, ya que Nikopol fue apresado hace 30 años por subversivo, y su espíritu fue parte de la sociedad hasta el día de su despertar. Toda la ciudad está llena de carteles con su nombre, el pueblo lo aclama y pide por su liberación. Una excelente película Cyberpunk, realizada con muy buenos efectos especiales, con actores reales y con personajes generados por computadora, al estilo Final Fantasy.

Ásterix el Galo

Nota realizada para Reinos Libres

La historieta francesa tomó un vuelo muy alto en los 70’s con la aparición de los Álbumes de historietas. Revistas como Metal Hurlant o Pilote son madres de las historietas más famosas del mundo. Y no solo se quedaron en eso, el nacimiento de esta nueva historieta francesa dio el impulso necesario a Argentina e Italia, los dos países que acompañan a Francia en el podio de los mejores historietistas del globo. Finalmente la industria llego a Bélgica y el Reino Unido. Hasta ese entonces la historieta europea no pasaba de Tintín, que, sin desmerecerla, no tiene demasiada entrada en un público adulto, y del otro lado del gran charco estaban las historietas de superhéroes en norteamérica y en sudamérica Héctor Germán Oesterheld con Frontera, y alguna que otra publicación del mismo estilo que los álbumes.

Quizás la historieta francesa más popular y famosa en todo el mundo sea la genial Ásterix el Galo, de René Goscinny, el cofundador y director de la revista Pilote, en la que salía el comic. Goscinny nació en Ucrania en 1926, y a los dos años su familia se había erradicado en Argentina donde publicó, siendo muy joven, sus primeras ilustraciones. Vivió hasta los 17 años en Buenos Aires, para luego vivir en Nueva York, Estados Unidos. Su estadía en el país de las oportunidades fue muy corta, porque era la Segunda Guerra Mundial, y tuvo que viajar a Francia para evitar ser enrolado en el ejército. En Francia, finalmente estuvo en el ejército, donde se convirtió en el ilustrador oficial del regimiento.
Trabajó con muchos grandes de la historieta, incluso trabajó en 1948 en un estudio gráfico con 3 tipos bizarros, que en 1952 fundarían la revista MAD. También trabajó con Albert Uderzo, el dibujante responsable de la obra a la que dedico esta nota.

Ásterix es una historieta muy interesante, ya que tiene capas, un niño la puede leer y tiene una visión y un adulto tiene otra. A los niños les encantan las historias de guerreros poderosos y de hechiceros con pociones mágicas. Y los adultos se maravillan con el humor delirante y los paralelos modernos que se aplican casi automáticamente al leer el comic.

Ásterix es uno de los guardianes de un pueblito Galo, es el último lugar que queda, que no esté bajo el control de Imperio Romano, la última resistencia. Es alrededor del 50 AC, y el emperador Julio Cesar avanzó y llevó a cabo la conquista de casi toda Europa.
Los galos tenían un secreto para el éxito de su resistencia, entre ellos se encontraba el druida Panorámix (un druida, para la cultura Celta, son unos sabios de clase social elevada, dedicados a la astronomía, la medicina y la magia, entre otras cosas) que les preparaba una poción mágica que los volvía super fuertes y resistentes.

Como ya se habrán dado cuenta, por lo menos con el nombre del druida, una de las cosas más representativas y recordadas de este comic son eso: los nombres. Juegos de palabras muy divertidos que imitan el latín en muchos casos, pero que justamente muchas veces son palabras inventadas. Hay nombres muy graciosos como Astrónomix, Tragicómix, Edadepiédrix u Ordenalfabétix; y otros mucho más delirantes, sin ningún sentido como Praliné, la madre de Ásterix y Gelatina, la madre de Óbelix, el compañero del protagonista. Y ya a un nivel lisérgico tenemos también a Yelosubmarin, la esposa de Ordenalfabétix, el dueño de la pescadería.
Los nombres no se quedan ahí, también vale la pena nombrar las cuatro ciudades romanas que sitian el pueblo galo: Babáorum, que en castellano es Pastelárum (vale decir que el Babá es un postre del este de Europa muy consumido en Italia y Francia), Acuárium, Laudánum y Petibonúm (haciendo referencia a la novela de Julio Verne llamada Petit Bonhomme, que significa “hombrecito”).

Ásterix es un astuto hombrecito rubio, bastante menudo, que de lejos jamás parecería presentar amenaza alguna, pero que por efecto de la poción de Panorámix tiene la fuerza de 10 hombres y es capaz de vencer un pelotón de romanos juntos. Incluso rompiendo su “impenetrable” defensa de la formación de infantería, que es tomada para la burla en muchos números. Ásterix siempre viene acompañado de su mejor amigo, Óbelix, un gigantesco y obeso galo, que de bebé se calló en el caldero donde el druida preparaba la poción mágica, desde ese día tuvo una superfuerza permanente, y nunca debe volver a beber el líquido. En el capítulo El Mal Trago de Óbelix, vuelve a beber la pócima y termina convertido en piedra, los galos terminan yendo a la Atlántida en busca de una cura.
Óbelix es el repartidor de Menhires. Un menhir es un monolito de piedra, algunas veces antropomórfico, son de la época prehistórica y eran erigidas para rendirle culto al sol. Los pueblos celtas están muy relacionados con los Menhires y otras estructuras de piedra rituales que se extienden por Gran Bretaña, Francia y España (en especial Galicia). El padre de Óbelix talaba menhires en una cantera, y el gigantesco galo con su fuerza mágica camina por la ciudad y los bosques cargando en su espalda los enormes bloques de piedra sin el menor esfuerzo. Tiene un perrito, llamado Ideáfix, que es el que completa el trío principal del comic. Idéfix (en la edición original francesa) es un perro ecológico que llora cuando ve un árbol derribado. Su nombre proviene de “idea fija”; Ásterix de “asterisco”, obviamente; y Óbelix de “obelisco” y de “obeso”.

Las Películas
En 1968 Goscinny y Lee Payant produjeron y dirigieron un film de animación en 2D llamado Ásterix y Cleopatra. En los 80’s Gaëtan Brizzi y Paul Brizzi volvieron a darle una oportunidad al largometraje de animación para el personaje, pero sin mucho éxito.

Muchos años después Claude Zidi tomó nuevamente el comic para llevarlo al cine, pero esta vez con actores de carne y hueso en pantalla. Así en 1999 se estrenó Ásterix y Óbelix contra el César y en 2002 Ásterix y Óbelix: Misión Cleopatra. Ambas con Christian Clavier como el personaje principal y Gerard Depardieu como su enorme compañero.

El Incal, Jodorowsky y Moebius

Nota escrita para www.reinoslibres.com

La lucha entre el bien y el mal es el argumento principal de muchísimas historias de ciencia ficción y fantasía, de las más aclamadas de todos los tiempos. Por ejemplo El Señor de los Anillos y La Guerra de las Galaxias, son historias llenas de acción bélica y batallas épicas, pero no es eso lo que más recordamos. Lo más interesante de estas obras es el contraste del bien y el mal, de la luz y de la sombra, la esperanza de que la luz siempre puede volver y la verdad de que la oscuridad es vasta e inacabable. Porque el bien y el mal son dos caras de la misma moneda, el ying y el yang: para que exista el bien debe existir el mal y viceversa.

Entre 1980 y 1988, en la revista de historietas francesa Metal Hurlant, se publicó El Incal, la obra más famosa del historietista, cineasta y estudioso del ocultismo Alejandro Jodorowsky y del aclamado dibujante francés Moebius (Jean Giraud)

Se trata de una historia en un futuro arruinado, en que los habitantes de la tierra viven en inmensas ciudades subterráneas, construidas en pozos profundos en la tierra. La superficie está destinada a la cosecha de alimentos, de parte de máquinas cosechadoras. La Tierra está regida por un abusivo tirano depravado, dedicado más a sus incontables vicios que al gobierno en si. La historia comienza en la época en que se realizará la Clonación Presidencial: una máquina traspasará el alma del Presidente a un cuerpo joven y sano.

John Difool es un detective de clase R, es un paria, vive de prostitutas, alcohol y drogas, dedica su tiempo a trabajar para personas indeseables, entre ellos una mujer salida de la aristocracia (las clases sociales están muy marcadas, los aristócratas llevan sobre la cabeza una aureola de santidad) que quiere que Difool sea su guardaespaldas para irse de parranda entre los pobres, entre la clase trabajadora. Al igual que Cenicienta, la mujer debe volver antes de las doce. En un bar llamado el Anillo Rojo entabla relaciones sexuales con Kill, un delincuente con cuerpo de hombre y cabeza de perro. John se olvida de la hora y cuando pasan de las doce la mujer vuelve a su imagen real: la de una decrépita anciana. Así comienza la historia, cuando Kill persigue a Difool, con odio en su corazón y en sus palabras. John escapa por tuberías abandonadas, en las que encuentra una pelea entre seres inhumanos. Los humanos no conocían en la tierra a los extraterrestres, pero sabían de su existencia, por la 3D (lo que sería nuestra televisión, solo que para ellos es casi una Biblia, incluso los presentadores d la 3D comienzan sus discursos con “queridos teleadictos…”). Uno de estos seres tiene cabeza de pájaro, cuatro patas y dos brazos (extraterrestres llamados Bergs). Le entrega a Difool una cosita minúscula, llamada El Incal, que tiene muchísima luminosidad. Para que nadie lo encuentre, ya que la policía y los bergs lo buscan, escondió el incal, se lo dio de comer a su pájaro de hormigón Deepo. Cuando volvió a casa encontró una congregación de fieles en su casa que aseguraban que el pájaro era bendito. Deepo, gracias al Incal ahora hablaba. Deepo y Difool escaparon, el incal se presentó ante ellos como la entidad más poderosa y sabia de la galaxia y los guió en una búsqueda, la búsqueda del Incal Negro. Lo encontraron en la Tecnociudad, el templo en la tierra de una secta interplanetaria que rendía culto a las Tinieblas, a la oscuridad.
La pareja dispareja logró hacerse con el Incal Negro justo antes de que del templo se elevara un huevo negro gigantesco hacia el espacio.

Tanatah, una líder terrorista secuestra a Soluna, un niñito, el hijo del Metabarón, el último descendiente de una casta de guerreros, criado para ser el guerrero perfecto, el mejor mercenario y aviador del universo conocido. Tanatah obliga al Metabarón a matar a Difool, para traerle su cuerpo, en el que se esconde el Incal, ya que se fundió a él para ir en busca del Incal Negro. Éste último es entregado por Difool a Animah, una hermosísima mujer que se presenta ante él montando una rata gigante.

Finalmente todos estos personajes se reúnen y viajan al centro de la tierra, ya que en las Ciudades-pozo hay revueltas y golpes de estado, causadas por Tanatah. El presidente entonces realiza una nueva clonación y pasa su alma a una nave gigante robótica, un arma de destrucción total (en su punta lleva una cámara de la 3D, y durante los días que dura la persecución toda la tierra está pegada a sus pantallas). El Presidente entonces persigue al grupo de 7: John Difool, Animah, Tanatah, el Metabarón, Soluna, Kill y Deepo que cruzan un torbellino de ácido, un tiradero de basura interminable y finalmente llegan al santuario del centro de la tierra donde realizan el ritual para unir las dos partes del Incal, pero para eso deben purificarse, olvidar su pasado y sus rencores (incluso entre ellos). Las dos partes del Incal se funden con Soluna, convirtiéndose en el Andrógino Perfecto.

Cuando la historia se aleja de la tierra, se pone cada vez más complicada. El Incal es una obra publicada en 6 tomos de 47 páginas. Volviendo a la historia: El universo está regido por el Imperio. La Imperoratriz (no es error ortográfico) es un ser andrógeno que rige el Imperio, pero la secta Tecnos y su alianza con la Tiniebla la destronan en un golpe de estado intergaláctico. El Resto de la historia será el camino de la lucha contra las tinieblas, que lanzan unos huevos negros al cielo que drenan la energía de los soles, pero los huevos son indestructibles, están hechos de antimateria, solo queda una solución: Cubrirlos con las babas de unas medusas gigantes traídas de un planeta acuático.

Difool recorrerá muchos caminos, incluso fecundará a la Protoreina, la madre de todos los Bergs, pero ella se enamora de él, cuando él ama a Animah, así que todos sus hijos crecerán en la miseria y en el odio, un planeta poblado por 78 billones de John Difools amargados por el odio de su propia madre.

Finalmente El Incal les dice que la manera de destruir a la Tiniebla es que todos los humanos del universo le den su poder, mediante un sueño profundo, y cuando logran hacerlo, en el final de la larga historieta, El Incal y Difool destruyen la tiniebla y se encuentran ante dios, el creador del universo, el cual todos habían olvidado hacía siglos. El concepto de Dios había muerto en todo el universo. El Incal debe ocupar su lugar y crear un nuevo universo, con John como Testigo.

Además de tener una historia excelente, está llena de simbolismos muy profundos y una clara referencia a pensamientos filosóficos borgeanos, entre otras cosas. Un detalle importante es que los 7 personajes principales están basados en cartas del tarot.

El Cuervo, la máscara de la venganza

Esta nota la escribí para www.reinoslibres.com
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“La venganza es un plato que se come frío” Sabiduría Popular

La venganza es algo que todos deseamos pero que a su vez rechazamos, porque nos rebaja al mismo nivel que la persona de la que nos queremos vengar. Pero todos en el mundo tenemos algún rencor oculto, todos querríamos vengarnos de alguien.

El Cuervo es un personaje muy conocido. Pantalones de cuero ajustados, pelo largo y oscuro y su recordado maquillaje. Sin contar el hecho de que está muerto y camina entre los vivos buscando venganza.

Lo que no muchos saben sobre El Cuervo es que su primera aparición fue en papel, en el mundo del comic. El primer comic fue llamado El Cuervo, y fue realizado por el historietista James O’Barr en 1981.

La historieta nos contaba la historia de Eric Draven, un músico de rock que fue atacado junto con su novia, en la víspera de su casamiento, por una banda de pandilleros. Ambos murieron, pero antes de morir Draven tuvo que ver como violaban y mataban a su novia de la manera más sádica.

Eric cruzó el puente entre la vida y la muerte. Pero, no llego al otro lado. Un antiguo espíritu chamánico con forma de cuervo lo devolvió a la vida. Lo trajo nuevamente a la tierra, imprimiendo en su ser toda la fuerza mágica del cuervo. Draven entonces contaba con una fuerza increíble y de inmortalidad. Pero estaba allí, de vuelta del otro lado, con una finalidad, con un motivo: Venganza. Debía ajusticiar a sus asesinos para poder descansar en paz.

Durante los últimos 27 años se realizaron varias historietas protagonizadas por hombres muertos que eran traídos a la vida por el Cuervo. Una de las mejores fue realizada también por O’Barr, con la colaboración de Alexander Maleev y John Wagner. Esta versión se llamó El Cuervo: La Hora de la Muerte. Trataba sobre un aborigen nativo americano llamado Joshua, que junto con toda su tribu fue asesinado a sangre fría por unos soldados estadounidenses en el siglo XIX. Acá es donde se diferencia de las otras historias del personaje, que generalmente son monótonas y parecidas. Joshua es devuelto a la vida por el Cuervo un siglo después de su muerte, ahora debe enfrentarse al mundo moderno y encontrar a sus asesinos que también reencarnaron en el mundo de hoy y son (que sorpresa) una pandilla de motociclistas.
Un tiempo más tarde el equipo, sin Wagner pero con la inclusión de James Vance, realizaron El Cuervo: Carne y Sangre. Ésta vez el cuervo elige a una mujer llamada Iris Shawn que vuelve para vengarse de los granjeros que la asesinaron, mientras estaba embarazada. El sexo del personaje no es lo único que cambia en esta nueva versión, aquí vemos una cuenta regresiva en el personaje, tiene un tiempo que cumplir, si no se venga en ese tiempo desaparece, ya que se está descomponiendo como cualquier cadáver.
Como bien dije, durante todo este tiempo se hicieron muchísimas historietas sobre este espíritu vengador, pero en su mayoría son todas iguales. Algunas más suaves y otras más duras, como El Cuervo: Pesadillas Caminantes, en la que Mark, un policía es asesinado junto a su mujer y vuelve para vengarse y descubre que sus pequeñas hijas fueron secuestradas y metidas en una red de prostitución y pornografía infantil.

Las Películas

Como todos los grandes y oscuros personajes de historietas de los 80’s, el Cuervo fue llevado al cine. En este punto lo comparo siempre con Batman. Ya que se realizaron 4 películas del muerto vengador. Las dos primeras fueron excelentes y las últimas dos un verdadero fiasco. Y de la misma manera que Batman, se está preparando una remake del Cuervo Original para los próximos años que parece ser que revindicaría mucho al cuervo cinematográfico.

En 1994 Alex Proyas dirigió la película del cuervo que se hizo más famosa. Quizás no fue tan famosa por ser una gran película, ni siquiera por el personaje. Fue famosa porque fue la última aparición en cine de Brandon Lee, el hijo de Bruce Lee. Brandon, falleció en un accidente algo extraño el 31 de Marzo de 1993. Durante la filmación un revolver calibre 44 que se utilizaba en una escena fue mal revisado, ya que tenía en el tambor una vieja bala, y la escena se filmó como siempre, pero la bala salió y mató al actor.

La Película de Proyas finalmente se estrenó y se llevó la gloria y el cariño del público. Se basaba en la historieta original del Cuervo, incluso O’Barr trabajó como guionista en esta primera versión cinematográfica. Un dato curioso, y un tanto truculento es que Bruce Lee fue disparado “por accidente” en la filmación de una de sus películas también. Muchos creen que la muerte de Brandon Lee fue entonces un ajuste de cuentas mafioso.

Dos años después, en 1996 se realizó la primera secuela El Cuervo: Ciudad de Ángeles, una gran película, muy oscura y con excelentes actores y con dirección de Tim Pope, un director de videoclips vinculado con el mundo del Rock Glam. Debe haber sido idea de él entonces la inclusión del músico Iggy Pop como uno de los asesinos del personaje principal. Esta vez nuestro antihéroe se llama Ashe Corven, quien vivía con su hijito tranquilos en una ciudad oscura y llena de asesinos, ladrones y violadores. Ashe y su hijo fueron asesinados por una pandilla de motociclistas, liderados por Curve (Iggy Pop). El Cuervo trajo a Ashe a la vida desde su prisión acuática, ya que había sido encadenado y tirado al río. Entonces nuestro nuevo inmortal debe asesinar a toda la banda, y más aún, a la mafia de la droga que se encuentra detrás, liderada por un tenebroso personaje que toma consejo de una vidente que lo ayudara a robar los poderes del cuervo.
Es una excelente película, protagonizada por Vincent Pérez. Una de las cosas que la hace grandiosa es que la historia transcurre durante el Mardi Gras, el día de los muertos, una fiesta de carnaval de Nueva Orleáns.

Llegó el año 2000, llegó el nuevo milenio, y las ganas de hacer películas por dinero. La inexpresiva Kirsten Dunst y Eric Mabius protagonizan esta película en la que el Cuervo trae a un hombre que fue llevado a la silla eléctrica por matar a su novia. Crimen que no cometió. Ya desde el título sabemos que no hay mucho que esperar de esta secuela: El Cuervo, Salvación.

En 2005 se llevo al cine esta 4º versión llamada The Crow: Wicked Prayer (sin traducción para España ni Latinoamérica). Argumentalmente no es tan mala, pero fílmicamente si. No es una buena película. Trata sobre sobre Jimmy Cuervo, que es asesinado junto a su novia, por una banda de motociclistas satánicos. Gran parte de la película esta hablada en español ya que transcurre en lo que parece ser México o Texas. En la película se hace un ritual satánico para traer a la vida a un demonio llamado Crash, pero el Cuervo interviene, devolviendo a Jimmy a la vida para detener a la banda y asesinarlos a todos. Esta vez el actor que es elegido para el personaje es Edward Furlong, el protagonista de Terminator II.

Cybersix de luto

El pasado 15 de Agosto de 2008, con solo 51 años de edad, se fue un querido historietista argentino.

Carlos Meglia

Doble Dimensión, de Enki Bilal

La Siguiente nota la escribí para www.reinoslibres.com

Doble Dimensión es un libro de historietas cortas de Enki Bilal publicado en 1978. Todas son historias de ciencia ficción. Futuristas y con un humor bastante cínico con final sorprendente, recuerdan mucho a los guiones de La Dimensión Desconocida.

Drama Colonial

La primera historia transcurre durante la guerra asturiana, un conflicto armado entre el planeta tierra y la raza alienígena Arturiana. Un sargento hace un testeo de resistencia a una raza alienígena del planeta y descubre que tienen una resistencia dos veces mayor que la humana, además de contar con habilidades telepáticas, una inteligencia muy desarrollada y una velocidad de carrera de 70km por hora. Le lleva su investigación al general, quien decide adiestrar unos cuantos cientos de Bargulbs, o Garbulbs, o Garglubs (nótese que deliberadamente el general, en su fascismo, les cambia el nombre constantemente) para hacerlos pelear para la tierra. Pero el sujeto presentado le explica al general que son una raza pacífica, que su cultura y religión les prohíbe usar armas y uniformes. El General se burló de las creencias del alienígena y habló con uno de sus médicos y arregló que se realizara un tratamiento en sus cerebros para que tuvieran una aversión violenta contra el color rojo. El médico se horrorizó pero tuvo que cumplir las órdenes, el general le dijo que asumía toda la responsabilidad, que era una orden que cumplir nada más. Los Glaburbs no dieron tregua y asesinaron fila tras fila a sus enemigos, ensañándose incluso con los heridos, violando todos los tratados intergalácticos, la tierra ganó la guerra. El presidente de la tierra fue a felicitar al general y al líder de los Gablurbs, pero cuando le dio la espalda, el alienígena vio su capa roja y lo mató a balazos.

En el nombre del Padre, del hilo…

En una nave misionera, un cura despierta de su sueño de treinta y tres días, ocho horas y doce minutos, la computadora de la nave le da la bienvenida, él pide que llame a Ernesto, para que le ayude a sacarse su traje de hibernación. Pero la computadora le explica que Ernesto salió nuevamente en su búsqueda de dios. Cuando el cura se saca el traje ve que tiene todo el cuerpo cubierto de cicatrices, la computadora le asegura que el responsable de esas marcas debió ser Ernesto, ya que fue él quien lo operase. El cura sal en una navecita y aterriza en un asteroide en el que hay una pirámide y un monolito que dice “Inmortales Solamente” (referencia a La Feria de los Inmortales, comic anterior de Bilal, la primera parte de la Trilogía Nikopol, que comenzaría a publicarse en 1980). En el monolito encuentra a Ernesto, que vemos que es una especie de androide. El sacerdote le dice que se deje de tonterías o lo desconecta, pero el robot lo insulta. Entonces aprieta el botón, pero en vez de apagarse el robot explota el cerebro del cura. El robot se descostilla de la risa y se cae de monolito para destrozarse contra el suelo.

Última Negociación

El conflicto entre los Terrestres y los Gloobs llevaba decenios, pero ambos planetas estaban de acuerdo en una última negociación. Los Gloobs tienen una particularidad, además de medir 50 centímetros: su cabeza es independiente de su cuerpo. Cuando los negociadores humanos llegan los hacen pasar a la sala de negociaciones, pero la puerta es muy chica. El líder Gloob les dice que uno de sus ayudantes los van a ayudar. Entonces, entra a la sala y su cuerpo deja su cabeza en la mesa y dice “ojala no sean tan pedantes como los negociadores anteriores que se quedaban callados” minutos después entra su ayudante con las cabezas de los humanos en una bandeja, y pretende comenzar la junta. Vale decir que la guerra duró muchos decenios más.

Memorias de Ultra-Espacio

En los últimos años de la guerra Gloob, un piloto humano llamado Full-Sarma 2 viaja en su nave pensando que apenas termine el conflicto podrá retirarse y llevar a cabo el sueño de muchos soldados intergalácticos humanos: conocer la tierra. Un asteroide golpea su motor y tiene una pérdida de energía. Aterriza de emergencia en un planeta, otro piloto le explica, en un mensaje, que los que exploran ese planeta nunca regresan, el último fue el padre del protagonista, Full-Sarma 1. FS2 recorre la superficie buscando combustible para su nave, cuando vuelve su nave desapareció, y siente un temblor fuertísimo, y a su lado aterriza un pie gigantesco, y vemos como FS1 pasa caminando, angustiad por estar solo en ese planeta hace 20 años sin saber dónde está su nave.

La Muerte de Orlaon

Orlaon es un loco, que recorre el sistema de Arturo buscando arturianos y humanos para asesinarlos y beber su sangre, pero la soledad y la sed de sangre lo volvieron completamente loco. En un planeta desierto se encontró a si mismo y luego a otro ser que también era Orlaon, y luego a otro. Se dedicó el resto de su vida a asesinar a esos falsos él, hasta que un Orlaon lo asesinó, este también fue asesinado por Orlaon, etc.

El Descarriado

Un hombre se acerca al confesionario virtual, pone una moneda en la ranura y le confiesa al cura de la pantalla que le ocurre algo extraño, cree que está enamorado. El cura le pregunta por qué cree que es así, y él responde que no puede dejar de mirar a las mujeres por la calle. En la pantalla entonces aparece “Perdón Negado”. Dos hombres se llevan al que sale del confesionario y lo meten en una nave con la inscripción “Androides Reunidos. Reparaciones y revisiones de todo tipo”. Uno de los hombres dice “todos los años pasa lo mismo, en cuanto llega la primavera no hay manera de sujetarlos”

Drama Colonial (Bis)

Un científico pierde a su robot, que conectado a una máquina ayuda a aterrizar naves. Lo encuentra en un pantano, con una alienígena azul que lo ayudó a salir del fango. El robot se había enamorado al instante. Al llegar los tres a la base, el científico le confiesa a la mujer que quiere copular con ella con fines científicos para ver qué tipo de criatura conciben, el robot los ve y dispara a su amo. Entonces llega el novio de la alienígena y se van de la mano. El robot se dispara en la cabeza, y la nave que debía aterrizar se estrella. Los extraterrestres azules no conocen la lengua humana. Vale decir además que los humanos de la historieta hablan mezclando el orden de las palabras.

Cuidado con el Plitch

En un pueblito cerca de Paris, unos políticos se reúnen para acallar la opinión pública, porque se dio lugar a un suceso extraño, desaparecieron todos los habitantes del pueblo, lo único que quedo es una cosa fucsia que cuando la gente se le acerca la cubre de mucosidad haciendo un sonido: ¡Plitch!
El presidente dice en una entrevista en la televisión que los habitantes del pueblo fueron enviados a una clínica en Albania por una epidemia. El pueblo, extrañamente, en esa época era tan ignorante que le creyó. Un tiempo después se reunieron los parisinos frente al arco del triunfo, donde escucharon un discurso. El presidente dijo que toda Francia, salvo por Paris, había partido a Albania, a curar su enfermedad. Pero apareció el Splitch y en 3 minutos desaparecieron todos. Los políticos franceses partieron en bicicleta, rumbo a Albania, en el camino vieron al Splitch gigantesco, seguramente crecía un poco con cada humano desaparecido. Pronto encontraron italianos y estadounidenses, todos se juntaron para atacar a los chinos y rusos, asumiendo que el Splitch era su culpa, y diciendo que los soviéticos escondían a su gente para que Europa pensar a que ellos también habían sido diezmados. Los humanos restantes se destruyeron unos a otros, y los robots tomaron control de la tierra. El gigantesco Splitch desapareció en el espacio, cargado de seres humanos.

AKIRA

Esta nota la publuiqué en www.Reinoslibres.com, donde escribo sobre comic, manga, cine y literatura!

Para hablar de Akira, lo primero es definir realmente qué es el Cyberpunk.
Cyberpunk es un género de la ciencia ficción en el que se presenta un “futuro” post-apocalíptico y una sociedad corrompida y decadente. El exceso en el uso de la tecnología es siempre parte de la temática, y es justamente una de las causas de esta decadencia. Las grandes corporaciones controlan el mundo: ya no son tan importantes las jerarquías gubernamentales ni nobiliarias, ya no son tan importantes las banderas, es como si China y Estados Unidos se hubieran convertido directamente en McDonald’s y Coca-Cola. Como es de esperarse, en todas partes del mundo pequeños grupos revolucionarios ofrecen oposición, pero son infimos frente a las grandes corporaciones.

Se muestra un mundo contaminado, por eso en muchos comics, series y películas cyberpunk vemos que ya ni siquiera es cultivable la tierra y que la gente vive consumiendo productos sintéticos. El intercambio de órganos por dinero y la colocación de miembros mecánicos sofisticados son moneda corriente en el género. La juventud está completamente corroida por las drogas de diseño y la violencia. Podríamos decir que una de los primeros films del género, como ahora lo conocemos, es La Naranja Mecánica de Stanley Kubrick. Basada en el libro homónimo, trata sobre un grupo de chicos de 15 años que dedican su tiempo libre a la ultraviolencia, el sexo y las drogas duras, y que se divierten golpeando hasta desmayar a gente inocente o violando mujeres en grupo.

En Akira, el manga de Katsuhiro Otomo, muchas de estas cuestiones están presentes. Durante la historia hay revueltas revolucionarias, piquetes, marchas y manifestaciones; gobiernos más interesados en el dinero y en el “pan y circo” que en el bienestar del pueblo; grandes experimentos con tecnologias no probadas; golpes de estado, toques de queda, avasallamiento de los derechos humanos; violencia, sangre, drogas, juventud descarriada, motos, armas de fuego, pandillas… y algo con lo que nadie se esperaba topar: la fuerza creadora y movilizadora del universo.

La historia se ubica en un futuro no muy lejano, en Neo-Tokio, la inmensa megalopolis ubicada a menos de 10 kilometros del cráter de la antigua ciudad de Tokio. Hace alrededor de 30 años desapareció la ciudad original en una explosión nuclear que dio pie al inicio de lo que luego se llamaría la Tercera Guerra Mundial.
En las diferentes versiones de Akira se cambia la fecha de la explosión para que coincida con el año de realización de la obra: en el comic original en blanco y negro es en 1982, en la pelicula, 1988 y en la versión a color del comic ocurre en 1992.

Como siempre, los gobiernos utilizan el pan y circo para esquivar la mirada del pueblo. Así el gobierno Japonés coloca el gigantesco Estadio Olímpico cerca de las ruinas, derca del cráter, donde un año más adelante se jugarían las Olimpíadas.

Kaneda es un chico de reformatorio de 15 años que comanda una pandilla de motociclistas violentos, quienes se hacen llamar “Las Capsulas”, que se suben en sus motos y envalentonados por la meta-anfetamina entablan combates sangrientos contra otra banda llamada “Los Payasos” en las rutas y autopistas de Neo-Tokio.

En una de sus violentas aventuras, Tetsuo, uno de los amigos de Kaneda, tiene un “accidente” causado por un extraño niño con cara de anciano y pelo canoso que hace explotar su moto gracias a algun tipo de poder psíquico. Lo último que ve Tetsuo antes de quedar inconciente por el dolor es un número en la mano del niño: 26.

Un grupo militar llega con su inmenso helicoptero y les dicen a los motoristas que esperen allí hasta que llegue la policia. Tetsuo es subido al helicoptero y llevado junto con el niño extraño a un hospital militar donde se le hacen pruebas que desencadenarán un poder terrible que esconde el odio y la envidia que tiene desde años por kaneda y que oculta en el fondo de su corazon.

Tetsuo, comienza a tener extraordinarios poderes psíquicos: puede mover cosas con la mente … y hasta hacer estallar el mismisimo aire. Es capaz de muchísimo, incluso volar, y su poder crece a velocidades imparables. Sin embargo, los niños ancianos del hospital le dicen que nunca va a ser el más poderoso, que nunca va a ser tan poderoso como Akira, el dueño del poder absoluto. Tetsuo, impaciente, va en busca de esta persona.

La verdad es que un grupo de cientificos hace 40 años empezó a hacer pruebas con niños dotados de fuertes poderes psiquicos y dotes de mediums. Los fueron numerando; la mayoria murieron en la explosion de Tokio, pero unos cuantos sobrevivieron: 26 se llama Takashi, luego estan Kiyoko y Massuru..La verdad sobre la explosion no fue una bomba, sino el poder desplegado por uno de los niños: el número 28, llamado Akira.

Un grupo revolucionario antigubernamental liderado por Ryu, y con el apoyo de un político llamado Nezu comienza a hacer explotar bombas en bases militares y a introducirse en bases ocultas. Key, una chica de unos 18 años que es parte de este grupo, por casualidad conoce a Kaneda. Juntos van a ir descubriendo la verdad sobre Akira hasta que comienza la debacle, cuando Tetsuo, con poco control sobre sus nuevos y terribles poderes, despierte a Akira de su sueño criogénico.

El despertar de Akira no es el fin de la historia. Akira hace explotar de nuevo la ciudad dejando en el centro de Neo-Tokio un gran lago y el resto de la ciudad en ruinas.
Los meses van pasando y los sobrevivientes van aprendiendo a vivir en el caos, se alzan cultos y gente que reclamen el poder. Pero el único capaz de controlar todo es Tetsuo junto con su acompañante, al casi autista Akira.
Pero todos temen un nuevo despertar, quizás uno definitivo. Lady Miyako, la sacerdotisa de un culto multitudinario, se revela como miembro de los niños ancianos, y trata de ayudar a Tetsuo a controlar su propio poder.
En tanto, la gente se mata por las calles, los que estan a favor del ahora llamado Imperio Akira y los que estan absolutamente en contra. Tetsuo vuela por los mares buscando los barcos de los Estados Unidos y las Naciones Unidas y destruyéndolos para que no logren entrar y entrometerse.

Tetsuo no soporta tanto poder y comienza a perder el control; empieza a deshacerse y rehacerse, a mezclar carne y metal, a perder el sentido de la materia y a mutar hasta ser una gigantesca masa de carne que destruye todo y a todos. Por fin Akira reacciona y ayuda a los otros niños ancianos a destruir a Tetsuo y todos desaparecen en el infinito.

La película
En 1988 se estrenó Akira en el Cine. La historia es muchisimo más corta. Pensemos que el Manga (comic japonés) tiene alrededor de 2000 páginas. El film nos deja con un final mucho más abierto y profundo. En la version fílmica, Akira está muerto; lo que encuentra Tetsuo en la cámara criogénica son frascos de formol con las partes de Akira. Pero muerto y todo, su poder es tan fuerte que cuando Tetsuo se descontrola, con ayuda de los niños lo hacen desaparecer en el infinito, en una especie de big Crunch. Dándonos a entender la creación de un nuevo universo, un nuevo plano, una nueva existencia. Y al final escuchamos la voz en off de Tetsuo diciendo “Yo soy Tetsuo”

Del cotidiano al patético

Catarsis proviene del griego, y significa Purificación. Hacer catarsis no es otra cosa que purificar el cáos interno exteriorizandolo por algún medio comunicativo. La palabra es la que nos permite a los hombres no ahogarnos en nuestro propio sufrimiento y melancolía. Harvey Pekar hace catarsis constantemente caricaturizando sus peores cualidades, manías y neurosis.


Harvey Pekar nació en Cleveland en 1939, estuvo casado 3 veces, intento el ejercito, intento la universidad y fracaso en todo. Trabajó durante toda su vida como archivista de un hospital para veteranos.
A mediados de los 70's conoció a otro gran historietista, Robert Crumb, autor de reconocidos comics como Fritz el gato y Mr. Natural.

Crumb y Pekar entablaron una amistad muy fuerte. Harvey leía los comics de Crumb y no hacía otra cosa que admirar el trabajo de su amigo.

Robert Crumb, nacido en Filadelphia en 1943, escribe y dibuja historietas de un humor cínico, negro y oscuro. Entra mucho en la disección del mórbido cerebro humano, penetrando tanto en las perversiones más comunes como las más bizarras.
Para 1968 comenzó a publicar su fanzine Zap Comix, el padre de la historieta Underground dicen muchos.



Harvey un buen día logró su catarsis, comenzó a escribir y bocetar las páginas de una historieta que contara eventos de su vida cotidiana, consigo mismo como personaje protagonista. En 1975 le dio sus mamarrachos a su amigo Robert quien al mirarlos le ofreció automáticamente trabajar juntos. Robert dibujaría para su historieta.


Así nació American Splendor, el comic que duraría muchísimos años y que acompañaría todos los diferentes momentos de la vida de Pekar.
La gran mayoría de los comics fueron dibujados por Crumb, pero también trabajaron en el dibujantes como Gary Dumm, Joe Zabel y Frank Stack.



Harvey se casó con Joyce Brabner, que fue su 3ª esposa. Ella lo ayudo en sus peores momentos. E incluso fomentó mucho su creatividad. Obviamente fue un personaje más en la historia del Pekar gráfico también.
Cuando se enfermó de Cancer su esposa empezó un proyecto que lo ayudaría a llevar adelante su vida enfrentando la enfermedad. Hablo de una historieta sobre Harvey, el cancer, la quimioterapia y la depresión que le causaba la enfermedad.
La historieta se llamó Nuestro año de cáncer y fue dibujada por Frank Stack.

En 2003 se filmó una película "argumental" sobre la vida de Harvey Pekar. El papel principal fue de Paul Giamatti, que interpreta al guionista. Hope Davis actuó de Joyce y James Urbaniak de Robert Crumb.



La película, dirigida por Shari Springer Berman y Robert Pulcini está hecha de manera que el
mismo Pekar es la voz relatora, al estilo historieta.
En algunos momentos la película nos sumerge de lleno en historietas de American Splendor con reflexiones tales como que su nombre es demasiado particular y que no pega nombre con apellido y que en el momento que tuvo su departamento y por primera vez tuvo un teléfono a su nombre vio en la guía que no era el único Harvey Pekar, y las connotaciones filosoficas que esto refería en su vida.
Una excelente película para ver sabiendo a quién te vas a encontrar, a un cínico.



La Vida de Robert Crumb también fue llevada a la pantalla, pero en forma de Documental. CRUMB (1994) de Terry Zwigoff.

También fue llevado al cine en dos oportunidades su personaje Fritz, un gato (humanizado) que vive en el mundo de sexo desenfrenado, drogas y violencia de los años 60s. Fritz el gato fue llevado al cine por primera vez en la obra maestra (según un humilde servidor) del realizador de cine de animación Ralph Bakshi en 1972. Esta película fue odiada por el mismo Crumb ya que decía que había arruinado por completo a su personaje.
Pero dejemos esta denominación para la poco agraciada continuación: Las nueve vidas de Fritz el gato (1974) de Robert Tyler que ubica al personaje esta vez en los 70s.

El Último Recreo: El Señor de Las Moscas Urbano

Corría el año 1954, el escritor británico William Gerald Golding publicó una de las obras del género de aventuras más emblemática de todos los tiempos. Hay una gran tradición de novelistas ingleses que escribieron sobre naufragios y aventuras marítimas e islas fantásticas donde todo puede pasar, pero Golding puso en su novela un factor que saltaría de la página: los protagonistas son niños.
Para vivir el hombre necesita de una sociedad, necesita de sus semejantes. El hombre, en soledad pierde gran parte de lo que lo hace ser humano, pierde la cultura. Los niños de esta novela renacen en una nueva sociedad, que llevan de la mejor manera que pueden. Solo que los niños están privados de ciertos pudores y ciertas misericordias de los adultos, aunque no de sus miserias.

La crudeza de la situación fue tan emblemática que hoy en día seguimos leyendo la novela, viendo la película y viendo a Bart, Lisa, Milkhouse y compañía revivir la historia en Los Simpsons.



A principio de los años 80 Horacio Altuna (dibujos) y Carlos Trillo (Guión) empiezan a publicar El Último Recreo. Ésta dupla de grandes historietistas nos trajeron con el correr de los años obras de rotunda valoración y de una belleza singular; y con un lenguaje que combina la imagen con la palabra en maneras que no muchos pudieron lograr. Como por ejemplo Las Puertitas del Señor López, Charlie Moon, Tragaperras y El Loco Chavez.

La propuesta de El Último Recreo es la de llevar el Señor de las Moscas a una realidad urbana. Una bomba explota en algún lugar del estado de Nueva York. Ésta bomba no genera una explosión per se, ni una onda expansiva, sino que deja una radiación mortal que sólo afecta a los adultos. De ésta manera un día todos los adultos desaparecieron del mundo. Los niños tienen que arreglarselas por si mismos. No hay medios de comunicación, no hay medios de transporte, nadie sabe cuanto va a durar la comida.
Empiezan las luchas de poder, empiezan las grandes diferencias, empieza el temor, el caos.

Todos temen morir, saben que la radiación afecta a los adultos, y que si ellos crecen y alcanzan la madurez sexual, van a terminar muertos. Todos los días se ven por las calles cuerpos desnudos de adolecentes que por primera vez se dieron a conocer sus cuerpos los unos a los otros y terminaron muertos en un callejón. El temor a crecer nace en el corazón de niños que por una mala jugada del destino tienen la obligación de crecer y ser el futuro, ser el hombre del futuro, hacer que el mundo vuelva a girar.


El Último Recreo se empezó a publicar en Argentina en la revista Superhumor y luego se continuó en la FIERRO. En España se publicaron los 12 capítulos en la revista Zona 84 en 1992.

Tiene un formato especial para ser publicado en ese tipo de revistas o Albumes, ya que todos los capitulos son de 8 páginas. La longitud promedio de las entregas de las historietas de la Fierro, Cimoc, Metal Hurlant, Skorpio y tantas otras.

Ediciones La Urraca editó la historieta en dos tomos recopilatorios suplementarios de la RevistaHumor en 1991 y 1992.

Espero que la lean y que la disfruten mucho.

Presentación

Tiras, historietas, comics?

La historieta es un arte que coquetea mucho tanto con el cine, la literatura y el arte plástico, ya que tiene elementos muy propios de cada uno de estos.
El comic tiene algo que lo marca como único igualmente. Esto es que aunque las palabras son traducidas en imágenes al igual que en el cine, en la historieta se genera un lenguaje diferente donde las palabras y las imágenes no tienen fronteras muy definidas y muchas veces la palabra es imagen y la imagen es palabra.

Me presento, mi nombre es Juan Reinberg Cortés. Durante los últimos tiempos mantuve un fotolog con reseñas de historietas, pero quiero traer ese material a un blog, donde se pueda tratar el tema más formalmente y con un discurso más específico.
Voy a escribir sobre La historieta en general y en particular. Pienso reescribir algunas notas del fotolog y escribir notas nuevas. A diferencia del fotolog no voy a tomar particularmente cada historieta, voy a escribir artículos sobre:
-Géneros
-Historietas particulares
-Autores
-Historieta como género artístico
-Noticias y novedades del mundo de la historieta

Espero que les interese mi material y que sigan algo de lo que escribo.




Apaguen la PC y vayan a hacer algo productivo!

Juan Reinberg Cortés